Cineterapia Compulsiva

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

2011-08-08T19:20:00.000-07:00

Un muy digno preludio.

Tras varios meses de absentismo por causas personales que no vienen al caso, resucito el blog con la crítica a esta precuela a la que, para ser sincero, le tenía tantas ganas como miedo.

Ganas, porque hablar de esa joya que es El Planeta de los Simios supone referirse a uno de los hitos que más ha dignificado el género de la ciencia-ficción en el cine, y cualquier intento de llevarnos al origen de aquella fabulosa historia es motivo de alegría para cualquiera que, como yo, haya disfrutado como un enano con esa película. Creo que huelga decirlo por obvio, pero por si acaso aclararé que me estoy refiriendo a la cinta original que protagonizó Charlton Heston a finales de los 60 y no al remake de Tim Burton de hace 10 años, que por mucho que me pese hay que decirlo tal y como es: no había por donde cogerlo.

Y miedo, porque precisamente esa categoría de joya hace que la idea de rodar una precuela de esta película deba cogerse con muuucho cuidado, muuuucho respeto y con vistas a hacer algo de muuuucha calidad. El Planeta de los Simios puso el listón muy alto cinematográficamente hablando e impactó entre el gran público por la historia que contaba y por su factura técnica, sobresaliente para aquella época. Su estreno, los excelentes resultados en taquilla y las favorables críticas llevaron a la inevitable sucesión de secuelas -a cada cual peor- y a una serie de TV. Son muchos fans y frikies pululando por el mundo los que con justicia veneran esta película, por eso si algún director iba a atreverse a rodar el origen de aquella historia que acabó convirtiéndose en un clásico, debía saber antes de nada que lo que tenía entre sus manos era material muy sensible.

Pues bien, ese director en concreto ha sido el británico Rupert Wyatt (The escapist), y bien puede decirse que ha superado la prueba con creces. La película atrapa desde el primer minuto y según va avanzando en su desarrollo no sólo no pierde fuelle, sino que va sumando puntos progresivamente. Quizá una de sus mayores virtudes sea su pausado ritmo, su manera de mostrarnos la evolución psicológica del simio protagonista, sin prisas y evitando la tentación de meter brusquedades en el desarrollo de la trama. Se agradece que el director haya querido dar profundidad en explicar el “porqué” de la historia, sin recurrir a efectismos gratuitos ni a grandilocuencias digitales. Y con esto no quiero decir que a la película le falten efectos especiales, que los hay como para parar un tren, pero ésta es una de esas raras ocasiones en las que el apartado técnico y visual se ha puesto al servicio de la narrativa, huyendo del espectáculo vacío que sólo busca embriagar al espectador con filigranas hechas por ordenador que, en lo que se refiere al conjunto de la historia, resultan totalmente huecas. No, aquí disfrutamos de muchas escenas trabajadas digitalmente con espectaculares resultados (atención a las secuencias del chimpancé protagonista balanceándose entre las secuoyas), que no sólo aportan fastuosidad a la película sino que además tienen su justificación en la trama. El resultado es un agradable espectáculo que va cariñosamente cogido de la mano del relato sin sobrecargarlo, y que llega a su culmen en la apabullante y espectacular última media hora de la película.

Y puestos a hablar de los efectos digitales, hay que hacer una mención especial a los simios de la cinta porque, como era de esperar, también los hay hechos por ordenador (de hecho, la mayoría son obra del CGI). Para ello se ha empleado la misma tecnología que usó James Cameron para crear sus Naa´vi en Avatar, aunque aportando alguna que otra mejora en el software. El resultado roza la perfección, pero no llega a alcanzarla: en determinadas escenas el uso del ordenador “canta” un poco, y en ciertos momentos puntuales las texturas con las que han hecho a los simios no quedan todo lo naturales que cabría esperar, aunque afortunadamente son momentos muy minoritarios y sólo se apreciarán si se ve la película con intención de buscarle algún fallo al trabajo digital. En este punto “negativo” (por llamarlo de algún modo, ya que en cualquier caso el trabajo final es sobresaliente), quizá lo que más desconcierte es que esos pequeños “peros” sucedan sobre todo con el chimpancé protagonista, César. Puede ser que, debido a su papel en la historia, hayan querido humanizarlo más que al resto de simios, y en cierto modo su expresión delata este intento: sus rasgos faciales en algunas escenas parecen más cercanas a un hombre que a un mono. Quizá esa precisamente era la intención del equipo técnico, pero en cualquier caso el resultado es que César se diferencia claramente del resto de primates debido a esa humanización en su rostro.

Por otra parte, y sin dejar de hablar del chimpancé protagonista, es de admirar el gran trabajo de interpretación que ha hecho –otra vez– Andy Serkis, quien se ha vuelto a enfundar el traje de croma para aportar la parte mímica e interpretativa del simio, como ya hizo con Gollum en la trilogía de El Señor de los Anillos. Literalmente, puede decirse que este hombre ha aprendido a andar, gesticular y moverse exactamente igual que un mono. Impresiona ver el resultado final con el animal paseándose ante la cámara y pensar que, en realidad, los movimientos son los de un hombre. Un diez en ese aspecto.

El resto del tándem interpretativo, ya humano, se mantiene a la altura. Y aquí una mención especial también para James Franco, quien hace un papel mucho menos frío y rígido que en otros trabajos, construyendo un personaje con una enorme carga dramática en su interior que, pese a estar atravesando una dura etapa en lo personal, sabe exteriorizarla sin aspavientos con una precisa sutileza en los gestos y miradas (muy emotiva la relación y los diálogos con su padre, enfermo de Alzheimer). El famoso dicho de “la procesión va por dentro” puede aplicarse sin pestañear a su personaje, viendo el trabajo interpretativo tan comedido que ha sabido aportarle.

Volviendo a la trama argumental, y para disfrute de los fans de El Planeta de los Simios, decir que esta precuela tiene abundantes guiños a la cinta original, muchos detalles y lecturas entre líneas que sólo los que hayan visto la primera película sabrán apreciar. No obstante, este Origen se puede disfrutar igualmente sin conocer aquella, está claro que dejará un mejor sabor de boca y gustará más a los fanáticos de la saga de los simios, pero insisto que en cualquier caso es una película dirigida todo el público, haya visto o no la película original, y garantiza el entretenimiento para todo aquel que vaya al cine buscando una buena cinta de ciencia ficción.

Un apunte, no obstante, que quizá pueda descolocar a los fanáticos de la primera película más acérrimos: en los créditos finales han incluido una última secuencia que explica la evolución que siguieron los acontecimientos posteriores y que supusieron el germen de la historia original. Pues bien, se han tomado alguna libertad en esa explicación de los hechos y así, el origen, la dolorosa verdad que tan descarnadamente descubría Charlton Heston en la última y sobrecogedora escena de El Planeta de los Simios no se corresponde al cien por cien con la explicación que han dado en esta precuela. No es que sea muy distinto, es que han variado ligeramente en algún detalle la explicación del porqué pasó lo que pasó (y hasta aquí puedo leer, que no quiero destripar ningún spoiler). También es cierto, sin embargo, que la película acaba con un final que invita a rodar una segunda parte (una secuela de la precuela, vaya), donde quién sabe si no profundizarán más en esos acontecimientos finales y los acerquen en mayor medida a la versión que sugería la primera película.

En fin, con todo puede concluirse con que se ha hecho un muy buen trabajo. Algo de agradecer en esta época en la que Hollywood anda escaso de ideas. Son muchos los remakes, nuevas versiones, adaptaciones, secuelas y precuelas innecesarias que últimamente se están fraguando desde los grandes estudios, en su mayoría con una calidad que menosprecia la cinta original en la que tienen su génesis. Afortunadamente, no ha sido el éste el caso: han conseguido hacer una precuela de El Planeta de los Simios a la altura, chapó por ello. Ahora nos toca a nosotros disfrutar de esta monada.

Puntos fuertes:

- El delicioso y pausado ritmo de la cinta, que sin embargo consigue que la historia vaya ganando en interés y no deje de atraparte.

- Los efectos especiales y su inteligente uso.

- Andy Serkis, de lo más mono.

- Esa media hora final, totalmente épica, que cierra la cinta dándole coherencia al conjunto.

- Los guiños a la película original, demuestran el cariño especial con que se han hecho las cosas.

- En resumen, ciencia-ficción de la buena.

Flojea en:

- Precisamente en esa media hora final, quizá haya alguna escena demasiado edulcorada en los últimos minutos que recuerde al Disney más ñoño.

- Alguna “cantada” de los efectos digitales, que afortunadamente son la excepción en un apartado técnico casi impecable.

- Esa explicación adicional de los créditos finales… ¿es del todo fiel a la primera película? ¿Nos guardan una sorpresa en una futura segunda parte? Ahí queda la duda.

- El cartel promocional, que cosa más fea por el amor de Dios…

PUNTUACIÓN: 8,5/10

MÁS ALLÁ DE LA VIDA

2011-02-11T19:37:00.000-08:00

Lo que pudo haber sido y no fue.

Hay directores que nacen trayendo una cámara bajo el brazo. Artesanos del cine de los que, cuanto más te adentras en conocer su filmografía, más descubres que no han tenido ningún traspiés a lo largo de su carrera. No les encuentras ni una sola película que puedas calificar de mediocre y todas han sabido envejecer dignamente como el buen vino, siendo reconocidas con el paso de los años como obras maestras por la inmensa mayoría de los que se dedican a esto del séptimo arte. Genios del cine, en definitiva. Como tales no abundan los que podrían incluirse en esta categoría, requeriría poco más de los dedos de una mano para contarlos. Hitchcock o Kubrick son buenos ejemplos, y quizá de los más conocidos. Todas, absolutamente todas sus películas tienen un “algo” que las sitúa automáticamente muy por encima de la media.

Un escalón más abajo encontramos otra casta de directores. Aquellos que sin llegar al nivel de los genios, también son una élite en este mundillo. No todas sus películas se codean con la perfección, pero en su haber cuentan con varias (más de una y más de dos). Del mismo modo, también de vez en cuando “patinan” y sea por el motivo que sea, ocasionalmente – y sólo ocasionalmente - acaban creando una obra mediocre, muy alejada de la calidad a la que como maestros nos tienen acostumbrados.

Pues esto último es ni más ni menos lo que sucede con Más allá de la vida, un patinazo del maestro Clint Eastwood. Y eso, pese a que su sello está presente en cada plano. Técnicamente la película es de una factura impecable, sí, y está rodada con un gusto exquisito: tonos apagados que transmiten un aire melancólico en cada fotograma, una suave banda sonora donde el piano adquiere un discreto protagonismo, una inteligente estrategia en planificar la colocación y en los movimientos de la cámara… en definitiva, el buen gusto para rodar que evoca mucho al cine clásico de toda la vida y que viene siendo la marca habitual del director.

Sin embargo el fondo y la narrativa de la historia no consiguen atrapar al espectador, la trama en ningún momento llega a enganchar y eso que parte de un planteamiento que a priori resulta cuanto menos atractivo. Tres historias independientes, narradas paralelamente durante toda la película, y que acabarán convergiendo en un punto concreto hacia el final de la historia: una mujer que sobrevive milagrosamente a un tsunami, un niño que pierde a su hermano gemelo y un médium que vive condenado por su capacidad para contactar con los espíritus.

Pese al trasfondo paranormal común de los tres relatos, hay que decir que no estamos ni ante un thriller esotérico, ni ante una cinta de terror, ni ante ningún otro género que caiga en los habituales clichés que suelen tener las películas de esta temática. Más allá de la vida es básicamente un drama sobre personas que buscan respuestas, la evolución personal de tres personajes que comparten un denominador común, la experiencia de la muerte.

Con este planteamiento, y sabiendo que es Clint Eastwood quien está detrás de las cámaras, cualquiera podría esperarse algo sobresaliente. Lamentablemente no es así, la película peca de un ritmo extremadamente lento que no termina de despegar del todo. Ninguna de las tres historias tiene el fuelle suficiente para mantener vivo el interés a lo largo de todo el metraje, dando como resultado una trama que tarda más de dos horas en contar algo que apenas requeriría 20 minutos. Ese es, quizá, el mayor defecto de Más allá de la vida: alargar innecesariamente cada una de las tres historias que transcurren de forma totalmente autónoma sin interrelacionarse, salvo en el final de la cinta –por cierto bastante previsible a partir de cierto punto–, donde improvisadamente el argumento pega un forzadísimo giro hacia el género romántico que no hay quien se lo crea. Y lo que resulta más sorprendente es que este fallo lo encontremos, precisamente, en el trabajo de un titán como es Clint Eastwood, el hombre que le ha regalado al mundo maravillas como Mystic River o Million Dollar Baby, cintas éstas que a diferencia de la que ocupa estas líneas tienen la virtud de atraparte desde el primer momento.

Pese a todo, el conjunto no puede decirse que sea malo. La película tiene sus puntos a favor, destacando el buen gusto y el mimo habituales del director a la hora de rodar. De igual modo, la autenticidad y el realismo a la hora de llevar a la pantalla la cotidianidad de las clases medias-bajas, algo presente en toda la filmografía del sr. Eastwood, también se muestra aquí con la misma brillantez de siempre. Pero lamentablemente el balance impide que se pueda calificar a la película de buena. Sencillamente, no destaca. Se queda en el terreno de lo mediocre, es algo tibio, que podría haber dado mucho más de sí y que no llega a ofrecer todo lo que se podría esperar. Quizá, de las tres historias, la más interesante sea la del médium –interpretado por Matt Damon– que tiene algunas escenas brillantes (especialmente las de las clases de cocina italiana) y nos presenta al personaje con más riqueza y fondo psicológico, pero incluso esa historia, al final, nos deja una agridulce sensación de haberse desaprovechado.

Con el trabajo interpretativo pasa tres cuartas partes de lo mismo. Ninguno de los protagonistas tiene un lucimiento especial (bien es cierto que los papeles tampoco lo requieren necesariamente), llegando algunos incluso a ser del todo anodinos. Especial mención aquí, como aspecto negativo, al personaje del niño: totalmente inexpresivo e incapaz de transmitir veracidad en algunas escenas clave. Algo que no se entiende, puesto que si algo sabe hacer el sr. Eastwood es sacar de los actores lo mejor que tienen guardado. Aún no he visto a ningún otro director conseguir de Angelina Jolie lo que este hombre logró en El Intercambio.

En fin, que la maestría de este director no se discute y es algo que ya ha quedado demostrado en anteriores trabajos suyos. Pero lamentablemente incluso los maestros tropiezan ocasionalmente, y en esta ocasión así ha sido. Una lástima, porque la idea inicial daba para mucho más que esto. Otra vez será.

Puntos fuertes:

- El estilo clásico del director a la hora de rodar.
- La idea en sí.
- La escena del flirteo entre el médium y la chica recién llegada a la ciudad en la clase de cocina italiana, con Nessum Dorma sonando de fondo.
- El personaje de Matt Damon.

Flojea en:

- Dos horas para contar una historia que no requería más de 20 minutos.
- La falta de “agarre” de la trama en general.
- El niño protagonista.
- Ese giro al final de la historia metido con calzador.

PUNTUACIÓN: 6/10

TRAILER DE CÓDIGO FUENTE

2010-12-30T18:42:00.000-08:00

Para ir tomando nota cara al inminente 2011: Código Fuente de Duncan Jones, el hijísimo de David Bowie que, además de servirle de inspiración a su padre para componer la estupenda Kooks, dejó claro que apuntaba maneras el pasado año con Moon, una pequeña gran joya de la ciencia ficción que recomiendo a todo aquel que le guste el género y/o el cine en general, y a la que algún día deberé dedicarle un post.

En este su segundo largometraje Jones nos cuenta la historia de un destacado militar que, desde la realidad simulada por un programa informático, debe desarticular un atentado terrorista cuyo objetivo es volar un tren mediante una bomba activada por control remoto. El protagonista (Jake Gyleenhall) tendrá que introducirse varias veces en el escenario virtual y, a base de ensayo y error, descubrir la identidad y planes del terrorista.

Os dejo el trailer, que deja bastante claro por donde van a ir los tiros de la película. Me la apunto como obligatoria para el 2011.

Un saludo y feliz año a tod@s. Sed buenos o al menos intentadlo.

CUADERNO DE BITÁCORA: ANTICRISTO, DE LARS VON TRIER.

2010-11-30T09:58:00.000-08:00

AVISO DE SPOILERS: lo que sigue contiene descripciones muy detalladas de algunas escenas de la película que pueden destriparte la trama. Avisado quedas si decides seguir leyendo.

2:30 am. Noche cerrada. Mi mujer y mi hija duermen y estoy de ánimo noctámbulo, como todos los fines de semana a esta hora. En mis manos el DVD de “Anticristo”, la última obra del danés Lars Von Trier que desató la polémica en el festival de Cannes de 2009. Después de haber leído tanta opinión enfrentada, tanta crítica de unos que la ponen a parir y tanto elogio de otros que la veneran, ha conseguido picarme la curiosidad y aquí estoy, en el salón de mi casa con la película en cuestión. Vamos a ver de qué va esto. Abro el reproductor y voy metiendo el disco.

2:31 am. Mientras se va cargando el menú del DVD hago un breve repaso mental de lo que sé de esta película y de su director, uno de los precursores del movimiento Dogma 95 (un estilo particularmente minimalista de concebir el cine sobre el que no pienso extenderme porque daría para un post entero). La cinta en cuestión tiene tantos admiradores como detractores, quizá más de los últimos que de los primeros. Por lo que dicen, hace gala de un estilo visual impactante y tiene algunas escenas de sexo y violencia innecesariamente explícitas –demasiado-, algo que ha levantado muchas ampollas. Según el propio director, hizo esta película a modo de catarsis, como una terapia personal para expiar sus angustias cuando estaba en una época de su vida especialmente depresiva. Qué miedo me da eso viniendo de quien viene, alguien que tiene fama de brillante, rarito y pedante a la vez.

2:34 am. Le doy al botón del Play y empieza el show. Unos títulos de crédito sorprendentemente austeros. Nos presentan el prólogo de la historia, rodado en un nítido blanco y negro y a cámara lenta. Una pareja, hombre y mujer, se miran con deseo en la ducha. De fondo una hipnótica pieza musical que no alcanzo a identificar, pero que evoca a una ópera clásica. Tomo nota mental de investigar por la red para enterarme de cual es. Me gusta.

2:35 am. Vale. Un minuto de película y ya tenemos el primer elemento de polémica. Una penetración en primerísimo plano y totalmente explícita. Unos segundos de porno en una película que no lleva el calificativo de triple X. Reconozco que el blanco y negro, la música y la cámara lenta le da un toque artístico al asunto, pero sigue siendo eso: porno sin más. Me pregunto qué buscaba el director con esta toma. Desde luego, no hacía falta ser tan gráfico para aclarar lo que iban a hacer los protagonistas en la ducha, desde el primer momento que se miran ya intuye uno que no van a jugar al Monoply. En fin, ganas de innovar y transgredir, supongo.

2:38 am. Agua cayendo a cámara lenta, un efecto que siempre me ha gustado. Todas las tomas están rodadas con un gusto exquisito. Pese a la crudeza con que se muestra la penetración, el prólogo en conjunto esta hecho con una maestría que ya quisieran muchos.

2:39 am. Se intuye la tragedia que va a pasar. Un niño pequeño siempre debe estar vigilado por sus padres y más aún si hay ventanas abiertas y no vives en un bajo precisamente. Cae la nieve a cámara lenta. Me reitero: la fotografía de este prólogo es ESPECTACULAR.

2:40 am. Llega el drama que se veía inevitable. Un trágico accidente que, no obstante, está filmado con una macabra belleza. Fin del prólogo, que de momento me ha dejado una muy buena impresión, pese a lo innecesario de la penetración en primer plano.

2:42 am. Nos anuncian la primera parte del film, a la que han llamado “Tristeza”. Comienzan los diálogos y la fotografía en color. Los padres sacudidos por la tragedia se nos muestran como los únicos protagonistas. Afligidos los dos, ella parece la más afectada.

2:46 am. La cámara hace zoom hasta llegar a un primer plano de… ¿una planta? Curiosa manera de mostrar la transición a la escena siguiente. Bueeeno, algo me ha gustado ese detalle. Debo tener un lado friki para estas cosas.

2:54 am. La fase del duelo se hace más intensa. Ella acusa síntomas de ansiedad, él hace de psicólogo. Todo muy trágico y oscuro, con unas interpretaciones desgarradoramente reales. Convencen.

2:58 am. Ella está cada vez más desquiciada. Empiezo a comprender porqué la actriz –Charlotte Gaisnbourg- fue premiada por su interpretación en esta película. Sobrecoge sin histrionismos y su compañero de reparto –Willem Dafoe- no le va a la zaga.

3:04 am. Se alude a lo que va a ser el tercer protagonista de la historia, un bosque llamado “Edén”. Aparecen las primeras tomas del lugar. Muy siniestras, a la vez que –curiosamente- hermosas. Algunas son como ver un cuadro tenebrista en movimiento. Esto se está poniendo muy inquietante.

3:07 am. Él parece aplicar una especie de terapia onírica en ella para conocer el origen de su miedo. La película empieza a adoptar unos tintes raritos, como era de esperar del sr. Von Trier. Sin embargo, de momento no puedo decir que me esté disgustando.

3:08 am. La pareja protagonista acude al bosque a modo de tratamiento para ella. La sensación de tensión y el ambiente sombrío se mezclan entre los árboles, pero aún no lo calificaría de “terror”. Una toma bastante perturbadora de una cierva pariendo anticipa que los animales van a tener su protagonismo en la historia.

3:16 am. Empieza la segunda parte de la película, llamada “Dolor”. Él recurre a una terapia de choque para que ella supere sus temores. ¿Fobia a pisar la hierba? Bueno, cosas más extrañas se han visto en psicología.

3:21 am. Está claro que el director danés quiere recurrir a los animales para meterle mal rollo en el cuerpo al espectador. Cae una cría moribunda de pájaro al suelo, las hormigas la devoran (en un desagradable primer plano) y un halcón remata la faena cruelmente. Lo dicho, este bosque no es de los que salen en las películas de Disney.

3:25 am. La trama vuelve a tomar un aire que se asemeja más a un tratado de psicología que otra cosa. Él habla del elemento catalizador del miedo de ella. Parece ser importante para la historia, aunque se me pierden ciertos detalles en el diálogo. Quizá debería rebobinar y repetir esta escena… pero no lo hago.

3:29 am. El bosque se manifiesta de las maneras más retorcidas. ¿Una lluvia de bellotas? ¿Esto qué es? Con todo, es una toma a cámara lenta que tiene su aquel. Estéticamente esta película gana muchos puntos, aunque de momento la trama se esté pasando de críptica en ciertas partes.

3:31 am. Ella parece haber mejorado un poco y se muestra más optimista con todo. Lógicamente no me lo creo. Aquí hay gato encerrado.

3:33 am. Otra escena con animales chungos, ésta es de traca. Él se topa con un zorro que está devorándose sus propias tripas. El animalillo al ver al hombre dice: “reina el caos”. Se supone que esta toma debería ser inquietante, pero a mí me ha hecho gracia el cánido parlanchín éste. Que salao el bicho.

3:37 am. Arranca la tercera parte de la película, titulada “Desesperanza”.Se hace alusión a una profecía sobre tres mendigos. El rollo sobrenatural comienza a tomar fuerza. No tengo muy claro en qué va a acabar esto.

3:41 am. La película transmite el mensaje que ha sido objeto de feroces críticas hacia el director: las mujeres son malas porque sí, ni una se salva. Ay, ay, ay… que esto desvaría. “Las mujeres no controlan su cuerpo, lo hace la naturaleza” -dice la protagonista. Toma ya. Me pregunto cuántas amigas habrá hecho el sr. Von Traer ideando estas cosas.

3:42 am. El sexo entre la pareja protagonista, que ha estado presente en todo el film sin hacer demasiado escándalo (salvo en el prólogo), empieza a mostrarse más rudo y adquiere unas tendencias sado. “Si no me pegas, no me quieres”- le dice ella a él. Me parece que al director se le está empezando a ir esto de las manos. La escena se cierra viéndose a la pareja haciendo el amor sobre un árbol muerto cuyas raíces parecen esconder cadáveres humanos, una inquietante toma que sirvió de promoción a la película y que, pese a toda la paranoia que rodea esto, tiene su mérito.

3:49 am. LA MADRE QUE LE… menuda escenita. Ella le da un mazazo en los testículos a él, que eyacula sangre estando inconsciente. Muy gráfico y mostrando todo lujo de detalles. La película ha entrado en un desvaríe absoluto. Me viene ahora a la cabeza lo que dijo el director en las ruedas de prensa promocionales, acerca de que rodarla le había servido de terapia. Apunto como nota mental mandarle un cariñoso saludo a su psiquiatra.

3:51 am. Sigue poniéndose gore el tema. Ella aprovecha el maltrecho estado de él para atravesarle la pierna con un hierro oxidado, en cuyo extremo fija una rueda de afilar para que se quede quietecito. Que burrada. Esto ya no tiene ningún sentido.

3:55 am. Él consigue escapar a duras penas. Ella le busca por el bosque totalmente fuera de sí, reprochándole que la quiera abandonar. Es lo que tienen estas cosas: cuando te revientan los huevos con una madera y te atornillan una piedra de afilar a la pierna, pues como que se te quitan las ganas de estar con esa persona.

3:57 am. Seguimos con el surrealismo. El pobre protagonista es descubierto de su escondite, una madriguera, por culpa de una urraca bocazas que no ha hecho mas que graznar desde que él se ha ocultado en su interior. Hay una pelea entre el hombre y el pájaro, que si no fuese por lo perturbador del momento resultaría hasta cómica.

4:02 am. Empieza la cuarta parte, “Los tres mendigos”. Se confirma lo que a estas alturas de la historia ya sabíamos, que la protagonista está como un cencerro. Tras unas palabras sobre la profecía de los tres mendigos, suelta otra perla de las que hizo que el director se ganara la simpatía de muchos y muchas: “una mujer que llora es una mujer que conspira”. Ahí queda eso. ¿Qué le habrán hecho a este señor las mujeres para que ande tan mosqueado con el género femenino? En fin…

4:04 am. Decir que la protagonista anda algo perturbada es quedarse corto. Pese a lo dantesco de la situación, aún se anima a tratar de conseguir algo de sexo de su inconsciente pareja. El espectáculo se cierra con una de las escenas más comentadas y criticadas de la película: un primerísimo plano de ella mutilándose el clítoris. Y cuando digo primerísimo plano no exagero lo más mínimo. Supongo que tanto maltrato genital tendrá algún sentido para el director… pues vale.

4:06 am. Ella, ya exhausta, concluye el horror con una lapidaria frase: “todo es inútil”. Absurdo diría yo.

4:11 am. Él parece recobrar fuerzas y, por su propia supervivencia, la cosa termina en tragedia como era de esperar. Imposible que los dos saliesen vivos de esta locura.

4:12 am. Llega el epílogo. Vuelve el blanco y negro y la pieza musical de opera clásica que sonaba al inicio de la película. La verdad es que se agradece la paz que transmite tras los últimos minutos anteriores. La escena se cierra con una toma en la que aparecen de entre el bosque varias mujeres con la cara borrosa, dirigiéndose hacia el protagonista. Para ser sincero, no alcanzo a comprender el significado de este epílogo.

4:14 am. La película ha terminado y tengo sentimientos encontrados. Por un lado me da la impresión de haber visto una historia compleja, oscura, un interesante relato que ahonda en la naturaleza de las personas y en la maldad; pero no he conseguido enterarme de casi nada. He disfrutado de algunas escenas realmente hermosas a la vez que perturbadoras, pero me han sobrado otras que se pasan de gráficas, que parece que se hayan concebido muy explícitamente crudas y sádicas sólo para provocar, y para conseguir publicidad barata de la película. Que pena que el sr. Von Trier haya pecado de ser tan críptico, que pena que no haya sido más sutil en ciertas partes del metraje, que pena porque su labor de dirección en esta película es sobresaliente y las interpretaciones de los dos protagonistas dejan sin aliento, que pena que en conjunto esto desprenda un tufillo a “soy-intelectual-y-oscuro-y-voy-a-demostrártelo”, porque a pesar de que la cinta tiene sus méritos, no puedo recomendarla (no al menos a la mayoría de la gente). Le sobran demasiadas pasadas de rosca, y le falta más claridad a la hora de explicar el fondo de la historia. Lo dicho, una pena. Me voy a la cama a tener pesadillas con zorros que hablan y bellotas que llueven del cielo.

P.D. Indago al día siguiente por Internet y doy con el nombre de la pieza musical que suena en el prólogo y el epílogo: Lascia ch´io pianga, de la opera "Rinaldo" de Händel. Mira tú que bien, algo bueno he sacado de todo esto.

CARTA ABIERTA A M. NIGHT SHYAMALAN.

2010-10-30T20:06:00.000-07:00

Querido Shyamalan:

Podría dar varios rodeos, pero prefiero ir directo al grano: me tienes un poco mosqueado. Disculpa si me paso de directo, es que no sé muy bien qué pensar de ti... Verás, he seguido la práctica totalidad de tu trayectoria como director y, bueno, qué quieres que te diga, he llegado a la conclusión de que lo tuyo es darme una de cal y otra de arena. No sé si lo haces intencionadamente o no, pero es lo que hay.

Recuerdo la primera película tuya que vi en el cine, El Sexto Sentido (y sí, sé que antes ya habías dirigido otras dos, pero tendrás que reconocer que fue a partir de esa que tu nombre ganó fama en este mundillo que llaman del “séptimo arte”). El caso es que fue esa la primera vez que te conocí cinematográficamente hablando y, oye, reconozco que no pudimos tener mejor comienzo, me encantó la peliculita del niño que no hace más que ver muertos por todas partes. Te juro que salí del cine flotando, conseguiste que me metiera de lleno en la historia y que disfrutase cada segundo de ella. Aún recuerdo la tensión y el terror que me metiste en el cuerpo con algunas escenas, por no hablar de ese final que me dejó literalmente helado y del cual no revelaré nada aquí, no vaya a ser que haya alguien que por aquel entonces anduviera perdido en una isla desierta y venga yo ahora y le destripe la película. En fin, que nos regalaste un guión cautivador, nos enseñaste una faceta de Bruce Willis que no conocíamos y lanzaste hacia un efímero estrellato al por aquel entonces niño prodigio Haley Joel Osment. Bravo por ti.

Sin embargo, Salami (y perdona la confianza al cambiarte el nombre, pero es que llevo mucho tiempo escribiendo sobre ti en otros foros y me he malacostumbrado a llamarte cariñosamente por ese apodo), he tenido ocasión de volver a ver El Sexto Sentido alguna vez más y…. no sé, no sé. A lo mejor es cosa mía, pero parece que cuanto más la veo más se desinfla, incluso alguna escena llega a parecerme absurda. El caso es que como no quiero bajarla del pedestal donde la tengo ahora mismo –porque después de todo es una gran película- he decidirlo no verla más veces. Prefiero quedarme con los buenos recuerdos que empezar a ponerla a parir como si fuese el abuelo Cebolleta, esta película al menos no lo merece.

Todavía con la buena impresión que me dejó El Sexto Sentido, apenas pasó un año y ya anunciaste tu siguiente proyecto, El Protegido. Tengo que reconocerte que fui a verla al cine con muchísimas expectativas, en parte porque sabía lo justo y necesario de la trama, lo poco que nos habías dejado entrever a los espectadores que estábamos ansiosos por sumergirnos en tu nueva película: un hombre corriente (Bruce Willis otra vez) es el único superviviente de un accidente aéreo y, a raíz de esa milagrosa experiencia, echa una mirada atrás en su vida y descubre que nunca se ha puesto enfermo.

Ya está, con ese breve anticipo ya me tenías ganado. El planteamiento del argumento no podía ser más prometedor. Sólo leer esas cuatro líneas y ya me era imposible no ir al cine, necesitaba ver la nueva historia que había salido de tu cabeza. Reconozco, Salami, que sabes vender tus películas como nadie. Así que nada, ahí estaba yo en el Kinepolis de Madrid con un grupo de amiguetes de mi antiguo Colegio Mayor (por aquel entonces yo aún era un feliz universitario), palomitas y refresco en mano, convencido de que durante la próxima hora y media iba a ser absorbido por la misma magia que me encandiló en El Sexto Sentido. Pues bien, se apagan las luces, se proyecta la película y… no te sé decir muy bien lo que pensé al salir de la sala. No estaba seguro de si había visto un thriller, un drama o una ida de olla. A ver, resulta que la película trataba de un hombre corriente que descubre que es un superhéroe y de cómo afecta ese hecho a su familia. Bueno, el planteamiento en sí no está mal, pero al parecer quisiste darle un toque serio al asunto, rodar una cinta más cercana a un drama familiar que a otra cosa y, bueno, qué quieres que te diga, para mí al menos creo que el experimento te salió un poco rana.

Y ojo, no te estoy diciendo que no se puedan hacer películas “adultas” de superhéroes (para mí el mejor referente es sin duda El Caballero Oscuro), pero me parece que jugaste unas cartas sin saber muy bien en qué te estabas metiendo. Creo que mezclaste ingredientes que no casan bien entre sí y te salió un pastel raro. Por ejemplo, eso de que haya un personaje (interpretado magistralmente, eso sí, por Samuel L. Jackson) que se haya pasado toda su puñetera vida buscando a un superhéroe entre la gente corriente, leyendo cada día montañas de comics porque está convencido que son como las sagradas escrituras que contienen la verdad absoluta…. Bufffff, no sé, pareces querer darle un toque dramático y realista a algo que no está pensado para eso.

Entonces claro, con planteamientos como este te salen escenitas que son de traca. Y aquí me toca ponerme serio contigo Salami, porque tengo que echarte en cara algo que haces a menudo y que a mí al menos me pone muy nervioso. Hazme el favor: deja de meter a niños haciendo gilipolleces en tus películas. En concreto, y hablando de El Protegido, me eché las manos a la cabeza cuando vi la escena en la que el hijo del protagonista le apunta con una pistola, a su padre, dispuesto a dispararle porque está convencido de que es un superhéroe y quiere convencerse pegándole un tiro, a ver si detiene la bala con los dientes, con la mano, o yo que sé con qué narices estabas pensando cuando tuviste esa feliz idea. Pues eso, a la escenita que ya de por sí era para hacerle un homenaje quisiste cargarla además con tintes melodramáticos, pero de los chungos, de esos que transmiten más vergüenza ajena que otra cosa. Y allí estaba el chaval sosteniendo el arma conteniéndose en vano las lágrimas, Bruce Willis con cara de circunstancias, la madre dudando si cruzarle la cara al chiquillo o esconderse bajo la mesa, y yo preguntándome qué narices habías comido o fumado ese día para que se te ocurriese una chorrada tan grande.

Para más INRI, joder Salami, que estás haciendo que sea un niño el que apunte a Bruce Willis, a un tío al que he visto masacrar sin despeinarse a terroristas, mafiosos y asesinos de la peor calaña… ¿y pretendes hacerme creer que se va a quedar quieto ante un crío tembloroso le apunta con un revolver? No Salami, no. La respuesta natural de Bruce Willis en una situación así habría sido sacar una metralleta Uzi o cualquier otra arma más mortífera y disparar a su atacante mientras grita “Yippie kay Yay, hijo de puta”. Pero bueno, entiendo que en tu película no buscabas eso.

Bromas aparte, El Protegido resultó ser una decepción, al menos para mí, aunque reconozco que cuando se estrenó en los cines se ganó por igual tantos admiradores como detractores. Lamento decirte que yo estoy en el bando de los segundos, entre otras cosas por ese final con el que decidiste cerrar la película que, sinceramente, a mí no me convence. Parece que esté metido con calzador y tiene pinta de que lo hayas puesto ahí sólo porque querías demostrar, como ya hiciste en El Sexto Sentido, lo mucho que te gusta dar un giro sorprendente a la trama al final de tus películas. Lo siento Salami, pero creo que en esta ocasión no te salió igual de bien.

En fin, que tras El Protegido te me habías derrumbado un poco como mito. Por eso, cuando me enteré de tu siguiente proyecto, Señales, empecé a interesarme pero con más reservas. Sin embargo, otra vez supiste venderme la moto, y en esta ocasión fue al enterarme que la película trataba –o al menos así me lo hiciste creer– de los misteriosos círculos aparecidos en los campos de trigo en varios puntos de nuestro planeta. Se han escrito muchas teorías sobre el tema, la mayoría apuntan a visitas de extraterrestres, y oye, te reconozco que siempre me ha parecido un fenómeno del que podría sacarse un estupendo guión y por ese motivo conseguiste volver a captar mi atención con Señales.

Sin embargo, volviste a meterme un gol. Para comenzar, resulta que lo de los círculos en los campos de trigo no era ni de lejos el eje principal de la historia. De hecho, son algo puramente anecdótico. Y eso, pese a que te curraste una enorme campaña publicitaria centrada sólo en esa parte, que al final apenas tiene peso en la trama. Pues mal empezamos. Pese a esto la película tiene su aquel, no te lo voy a negar, reconozco que tienes un don para ponerme los pelos como escarpias del miedo cuando ruedas ciertas escenas (esa fiesta de cumpleaños…. Por cierto, a ver si dejas esa manía que tenéis muchos directores de pegar sustos a base triplicar de golpe el nivel de decibelios, que algún día matareis de sordera a alguien). Sí, es verdad que Señales tiene puntualmente momentos escalofriantemente brillantes, pero lástima que el conjunto no esté muy allá, creo que hay demasiados altibajos. Quizá sea porque lo de los extraterrestres empeñados en invadirnos esté demasiado visto, y la verdad creo que esta película tuya pocas novedades aporta a un género ya bastante machacado. Lo siento Salami pero yo al menos lo veo así. Eso sí, me gustó que no mostrases mucho a los bichos espaciales durante la casi totalidad de la película, eso ayuda a crear tensión, pero qué lástima que eso no fuese durante todo el metraje y al final te animases a enseñárnoslos en todo su esplendor. Por cierto, humanoides verdes y altos… demasiado típico ¿no?.

Bueno, lo cierto es que Señales aún sin ser una película para echar cohetes consiguió impactarme y que la siguiese con interés, aunque no termino de perdonarte (ya lo sé, soy muy pesado) el que me la vendieses como una historia sobre los círculos en los campos de trigo. Con todo, volví a recuperar la fe en ti, me saqué la espinita que me dejaste con El Protegido y me hiciste ver que seguías teniendo bajo la manga cosas interesantes que contar, algo que terminaste de demostrarme con tu siguiente película, El Bosque.

Pues sí Salami, El Bosque acabó de convencerme. Buen planteamiento, buenas interpretaciones, buen guión y bien rodado. Y eso que lo del pueblo acosado por criaturas salvajes no puede decirse que sea un alarde de originalidad, pero le supiste dar “tu toque”, mezclando inteligentemente un cuento de terror con una historia más humana, con amores imposibles y otros dramas. Me gustó el resultado, no te voy a mentir, pero se te vio el plumero otra vez: necesitas introducir el factor sorpresa al final de la película ¿no? Si es que no puedes evitarlo. Bueno, al menos en este caso ese golpe de efecto no parecía que estuviera metido con calzador. Vaya, que con El Bosque levantaste cabeza muy dignamente Salami, qué lástima que luego se te ocurriese rodar La Joven del Agua.

A ver, porque con esta no sé por dónde empezar. Y mira que la idea original –como todas las tuyas– es todo un ejemplo de imaginación y fantasía, de esos que te hacen quitarte el sombrero: una joven ninfa proveniente de un reino mágico se encuentra atrapada en nuestro mundo, incapaz de volver al suyo debido al acoso de unos terribles monstruos que, como ella, se han escapado del reino fantástico donde viven y campan a sus anchas por nuestra realidad. Sólo el encargado de mantenimiento de un bloque de apartamentos, junto a los vecinos que en el mismo habitan, podrán cambiar su suerte acabando con los monstruos para que la joven vuelva a su mundo.

Pues que bien, suena a cuento fantástico ¿no? El problema, Salami, es que te pasó lo mismo que con El Protegido: intentaste mezclar tintes de cuento e irrealidad con personajes y situaciones cotidianas. Pero de nuevo no supiste hacerlo del todo bien. Y de nuevo había risas donde supuestamente debería haber drama. Y de nuevo metiste a niños haciendo…. chorradas. A ver, puedo aceptar que haya una ninfa que ha llegado a nuestro mundo a través de una piscina, puedo aceptar que unas bestias malvadas estén persiguiéndola y se oculten entre nosotros sin que nadie se entere, puedo aceptar que la ninfa sea acogida por los vecinos de un complejo de apartamentos y que nadie llame a un loquero… pero ver a un niño que lee profecías ocultas en una caja de cereales es demasiado para mí. Lo siento, me puede. ¿Qué te han hecho los niños para que les sometas a tamaña humillación?

Sé que no es muy elegante decirlo, y menos de alguien como yo que ni vive del cine ni tiene conocimientos para hacerlo, pero es que… chico te lo diré sin tapujos: La Joven del Agua no tiene por donde cogerla. Cae en los mismos fallos que El Protegido, y los multiplica a la enésima potencia. Creo recordar que fue la primera película tuya que me llegó a parecer aburrida de verdad.

Así que nada, una de cal y otra de arena. Después de El Bosque, con la que parecía que remontabas el vuelo, te pegas el batacazo con la ninfa de la piscina, los vecinos raritos y el chaval de los Corn Flakes. Y para colmo, pasan dos años más y vuelves a la carga con El Incidente.

Como suele decirse, con El Incidente salimos de Guatemala para caer en Guatepeor. Me informé por Internet acera de la trama y, una vez más, parecía que se nos venía encima una historia de las buenas: un día como otro cualquiera, la gente comienza a contagiarse repentinamente de una locura colectiva y le da por suicidarse. Nadie sabe por qué sucede, pero parece ser que es debido a algo malvado que flota en el aire. Otra vez un buen arranque de la trama, pero esta vez ya iba con la lección aprendida y no me hice apenas ilusiones, pese a que el trailer y los carteles promocionales de la película invitaban a ir al cine el mismo día del estreno.

Es cierto Salami, ya me dirás quién te prepara las campañas promocionales porque sin duda es alguien que sabe hacer muy bien su trabajo. El merchandising previo a la película ponía los dientes largos, y el trailer ya mostraba dos o tres escenas brillantes. Sin embargo, una vez vista la película descubrí precisamente eso, que sólo tiene dos o tres momentos que se salvan de la quema. El resto de la cinta se olvida al minuto de salir del cine. Por cierto, me llamó mucho la atención como abusaste de primeros planos en El Incidente. A ver, que yo no soy un experto en esto ni mucho menos, pero tal y como lo veo un primer plano tiene sentido cuando el actor o la actriz tienen una expresividad de esas que transmiten mucho sin decir nada (Jonathan Demme lo sabía muy bien cuando trabajó con Jodie Foster y Anthony Hopkins en El Silencio de los Corderos), o cuando, sencillamente, son una cara bonita y cuanto más salgan en pantalla mejor se va a vender la película.

Pues bien, resulta que en El Incidente vas y nos coses a primeros planos de Mark Wahlberg. Bien, no sé si este hombre es una cara bonita o no, a mí al menos no me parece atractivo (dicho sea desde mi condición de heterosexual), pero lo que sí tengo claro es que es tan expresivo como una tapa de alcantarilla. ¿De verdad hacían falta esos primerísimos planos, donde se le pueden ver hasta los poros de la piel, sin que el tío cambie lo más mínimo el rictus de la cara? No sé, a mí al menos no me lo parece.

Y mira, después de El Incidente perdí toda esperanza. Me pareció tan lenta y aburrida que, pese a su genial arranque, al final salí casi más quemado que con La Joven del Agua. Luego supe de tu última película, Airbender. El Último Guerrero, y ha sido la primera vez desde El Sexto Sentido que no me he animado a verla. Por lo poco que sé, está basada en una novela gráfica, va sobre un rollo de magos y guerreros místicos, y la crítica la ha puesto a parir. Vamos, me temo que no me he perdido nada.

¿Por qué Salami? ¿Por qué tienes tan buenas ideas pero no llegan a cuajar cuando las desarrollas? A lo mejor es que eres un buen inventor de historias, sabes darles un comienzo brutal pero cuando hay que meterle chicha a la trama se te suele ir la cosa de las manos.

Sin embargo, me niego a creer que seas malo en este oficio del cine. Pese a los varapalos que te han caído con Airbender, estoy convencido que sabes entretener al público. A lo mejor es que vales más como creativo que como director. Quizá lo tuyo sea poner la semilla para un buen guión. Mira, lo último que anuncian de ti es La trampa del mal (horrible traducción para su título original, Devil), que no la diriges pero sí que es fruto de una idea tuya. Así nos la están vendiendo en los primeros carteles promocionales, donde se empeñan en destacar que es una película nacida “de la mente de M. Night Shyamalan”.

Ya he visto el trailer y he leído lo poco que se sabe del argumento: cinco personas quedan atrapadas en un ascensor…una de ellas es el Diablo.

Te lo digo ya Salami, la voy a ver. Me ha vuelto a picar la curiosidad, y más aún sabiendo que es una idea tuya… rodada por otro director. No sé qué puede salir de esto, la verdad, pero pinta bien y al menos iré al cine con ganas.

Ya te contaré, hasta entonces recibe un afectuoso saludo.

Clímaco.

TRAILER DE BURIED (ENTERRADO)

2010-08-31T08:05:00.000-07:00

Si el año pasado Celda 211 fue la cinta que se consagró como la “niña bonita” del cine español, en el 2010 todo apunta a que ese título se lo va a llevar el segundo trabajo del gallego Rodrigo Cortés: Buried (Enterrado).

De momento la película ha tenido una mayor proyección fuera de España, aunque es de esperar que en las próximas semanas se le empiece a dar más bombo. Rodada en suelo patrio, concretamente en Barcelona, y habiendo colaborado diversos países en su producción, dejó un muy buen sabor de boca en el festival de Sundance donde participó fuera de concurso.

Sean o no sean merecidas las maravillas que los medios están publicando sobre la cinta (se la ha llegado a comparar con La Soga de Alfred Hitchcock, que para mi gusto es apuntar muy alto), lo cierto es que el argumento ya de por sí promete: Paul Conroy despierta en el interior de un ataúd, sepultado a varios metros bajo tierra en algún rincón perdido de Irak. No sabe cómo ha llegado hasta allí y sólo cuenta para salvarse con un mechero, un teléfono móvil con la batería casi agotada y 90 minutos antes de que se le acabe el oxigeno. Tremendo ¿no?.

Según se comenta la acción transcurre íntegramente dentro del ataúd, así que es de esperar que la sensación de claustrofobia sea la nota dominante durante todo el metraje. El protagonista está interpretado por Ryan Reynolds, a quien muchos recordarán por su papel en Ases Calientes y envidiarán por ser el marido de Scarlett Johansson.

La película tendrá un primer estreno el 24 de septiembre en EEUU, donde ya se ha previsto su distribución en 2.000 salas y en más de 4.000 en todo el mundo. La verdad es que se le está dando una proyección internacional más que notable, sólo superada hasta la fecha por Los Otros y por Planet 51. En nuestro país llegará a los cines el 1 de octubre, hasta entonces podremos seguirle la pista buceando por Internet –la verdad es que se le ponen a uno los dientes largos leyendo todo lo que se está diciendo de la película- y abriendo boca con los trailers que ya han visto la luz. Aquí os dejo uno que me ha encantado, por lo poco que enseña y el mal rollo que transmite.

PRECIOUS

2010-08-27T20:05:00.000-07:00

Carne de lagrimal.

Algo bueno debía tener la “opera prima” de Lee Daniels como director -hasta entonces sólo se le conocía como productor de otras cintas- para haberse labrado la ascendente trayectoria promocional que tuvo el pasado año. Precious se estrenó en el festival de Sundance de 2009 huérfana de distribuidor y con el unánime apoyo de la crítica, que no escatimó en elogios hacia la película. Ello, junto a la noticia de que el titán mediático Oprah Winfrey quería apadrinar la promoción del film hizo que el boca a boca se encargase del resto. En España la cinta también gozó de alabanzas por parte de los presuntos entendidos del celuloide, y ello pese a que la distribución de copias en las salas de cine fue más bien discreta.

Basada en la novela “Push” de Sapphire, el argumento ya nos pone sobre aviso acerca de lo que vamos a ver: Clarice Precious Jones es una adolescente afroamericana con obesidad mórbida que vive en Harlem con su madre. Aunque fantasea con una vida llena de glamour, fama y lujos, la realidad en la que está sumida es totalmente distinta. Con 16 años, está embarazada de su segundo hijo. Ambas criaturas son fruto de las violaciones a las que fue sometida por parte de su propio padre, quien huyó del hogar desentendiéndose de todo. Analfabeta y con la autoestima bajo tierra, en casa no encuentra el apoyo que necesita, su madre la humilla constantemente y abusa de ella tanto física como psicológicamente. Este segundo embarazo provoca su expulsión del instituto, lo que hará que ingrese en una escuela alternativa para intentar dar un giro a su malograda vida.

Con este punto de partida, antes de ver la película uno ya intuye que lo que va meterse por la retina no es precisamente una comedia de los hermanos Marx. Esto es un dramón en toda la regla, duro hasta doler en el alma, que aunque nos presenta una historia más propia de un telefilm de sobremesa, sin embargo no llega a caer en éste. ¿Y qué tiene Precious que hace que no se confunda con el típico melodrama fácil de Antena 3 a la hora de la siesta? Pues para empezar una técnica de rodaje que en ocasiones parece cercana al documental (escenas filmadas cámara en hombro con su inevitable tambaleo, que afortunadamente en este caso no llega a marear) y, en otras, juega con elementos de montaje más propios de un videoclip musical (fundidos superpuestos de los actores en una misma toma). A eso hay que sumarle una fotografía sórdida y sucia, especialmente oscura en las escenas que transcurren con la madre dentro del hogar, algo que le quita cualquier artificialidad a la historia. Precisamente esa es una de las virtudes de Precious: que destila realidad en cada toma, no hay nada edulcorado o adornado aquí, visualmente es una película cruda –aunque no del todo explícita- con una sinceridad que hace que las escenas te las creas del todo. Sólo los momentos en que se nos muestran las fantasías de la protagonista, sus ensoñaciones como estrella del espectáculo, hacen gala de un estilo visual más luminoso y limpio, contrastando la sombría realidad con ese mundo mágico –y superficial- que anhela y sabe que nunca llegará a conocer.

Y ese realismo conseguido con la puesta en escena termina de perfeccionarse gracias a las sobresalientes interpretaciones de las dos protagonistas, madre e hija. Este es sin duda el punto más fuerte de la película. La debutante Gabourey Sidibe que interpreta a Precious es, sencillamente, la naturalidad en estado puro. Hace suyo el papel, se mete en la piel del personaje y nos lo muestra sin engaños ni adornos: sus lágrimas son tan dolorosamente reales que es muy difícil no conmoverse en ciertas escenas. Una lástima el doblaje que le han asignado, que aunque no puede decirse que sea desacorde con el personaje, para mi gusto lo “embrutece” un poco de más.

Y si la protagonista principal roza la excelencia a nivel interpretativo, la madre de Precious interpretada por Mo´nique se mete de lleno en ella. Esta mujer consigue que realmente llegues a odiar con profundidad a su personaje, totalmente malvado y destructivo, detestable hasta la médula incluso en un momento de la cinta en que tendrá también su particular catarsis. Para mí, uno de los papeles más “hijoputescos” (y perdón por la expresión) del cine actual, que alcanza su punto culmen en las escenas de la convivencia –por llamarlo de algún modo- entre ambas mujeres, madre e hija, especialmente duras por la crueldad de la primera hacia la segunda.

Así, no es de extrañar que las dos actrices, Gabourey Sidibe y Mo´nique, fuesen en su momento candidatas a varios premios por su interpretación en esta película. Finalmente fue la segunda la que arrasó con todo, obteniendo el premio a la mejor actriz de reparto en los BAFTA, los Globos de Oro, el Sindicato de Actores y, también, los Oscar de la Academia. Y en mi opinión alguno le tendría que haber caído también a Gabourey Sidibe, quizá el hecho de ser una debutante se lo puso más difícil. En cualquier caso y partiendo del hecho de que Precious es la primera película en la que ha actuado, el que la nominasen como mejor actriz protagonista en los cuatro festivales más importantes de la industria cinematográfica estadounidense ya deja claro que ha tenido un buen comienzo en este mundillo, habrá que seguirle la pista.

La verdad es que en líneas generales puede decirse que hay una gran labor en la dirección de actores de esta película. He destacado el papel de Precious y de su madre por ser las que llevan el mayor peso de la cinta (evítese el chiste fácil), pero el resto del reparto –femenino en su gran mayoría- también está más que correcto. Incluso dos estrellas del mundo de la canción, Lenny Kravitz y Mariah Carey, que hasta ahora no se habían prodigado precisamente por sus dotes interpretativas (sobre todo la última… véase Glitter) salvan la situación muy dignamente, lo que es de aplaudir teniendo en cuenta con quienes se están midiendo en las escenas en las que aparecen.

Con todo esto, Precious lamentablemente cae en varios tópicos del género. La historia que cuenta no es para nada nueva, el mensaje de superación que quiere transmitir tampoco, el tema de la escuela para chicos con problemas está más que visto, y pese a que el elemento trágico en esta ocasión es superior al de otras películas –hay que reconocer que la vida de la protagonista no da tregua para la alegría- en determinados momentos de la cinta se hace demasiado evidente que se está buscando sacarle la lágrima al espectador. Son partes muy puntuales del metraje y afortunadamente no son excesivas, pero sí que pueden recordar aunque sea levemente al típico telefilm de sobremesa, si bien repito que en líneas generales la película no es eso. Estamos ante algo mucho más elaborado y sincero.

Nada puedo decir, por otra parte, del libro “Push” en el que se basa la cinta porque no lo he leído, aunque por lo que se comenta en ciertos foros es más duro todavía, lo cual intimida bastante. La película, en cualquier caso, es para tenerla muy en cuenta, las muchas nominaciones que tuvo dan cuenta de ello. Sólo destacaré los Oscar de la Academia, de los que fue candidata a mejor película, mejor dirección, mejor montaje, mejor actriz, mejor actriz de reparto y mejor guión adaptado, llevándose el premio en estas dos últimas nominaciones. Lo dicho, para tenerla muy en cuenta

Para los que les pique la curiosidad, aquí el trailer en V.O.S.

Puntos fuertes:

- Lo real y sincero en la manera de contar la historia.
- Excelente nivel interpretativo, destacando a Gabourey Sidibe y Mo´nique.
- El afán de superación, pese a todo.

Flojea en:

- Demasiados tópicos.
- Puntualmente se tambalea y casi cae en el melodrama de sobremesa.

Puntuación: 7,5/10

ORIGEN.

2010-08-11T19:10:00.000-07:00

Gracias, Nolan, por estar ahí.

Ha querido el azar – o quizá yo lo haya forzado un poco – que inaugure este blog hablando de la última película de Christopher Nolan, en la cual él solito se ha hecho cargo de la dirección y del guión. Y digo que probablemente haya sido más por elección mía que debido a la casualidad, prefiero no andarme con rodeos y mostrar las cartas desde el principio: soy un incondicional de este hombre. Hasta la fecha, todo lo que ha rodado me ha parecido de una calidad sobresaliente, no en vano tengo su filmografía casi al completo en la estantería del salón de mi casa, a la espera de completarla con Insomnia (que seguro que también acabará cayendo). Por eso, desde hace ya unos meses que supe acerca de la existencia de Origen -por aquel entonces aún en fase de postproducción- llevaba esperando con un ansia casi enfermiza su estreno en nuestros cines… mi pobre mujer puede corroborarlo.

Pues bien, hoy por fin me he podido dar mi “chute” de Nolan y tengo que reconocer que no he salido decepcionado en absoluto, y eso que iba con las expectativas muy altas. Pero dejemos las cosas claras: Origen es, por encima de todo, una película que únicamente busca entretener al espectador sin dar lecciones de moralidad a nadie, sin mensajes trascendentales. Sin embargo, huye de los convencionalismos típicos del cine palomitero y, lejos de contar con un argumento plano, nos presenta un guión con una arquitectura muy compleja y sólida. Aún así, consigue que la trama principal se entienda perfectamente, y quizá sea ésta una de sus mayores virtudes: pese a lo enrevesado de la historia, la excelente narrativa hace que ésta pueda seguirse sin que el espectador se pierda demasiado, al menos en lo que constituye el núcleo central del argumento. No obstante, es cierto que resulta relativamente fácil que la primera vez que se vea la película al espectador medio se le quede suelto algún cabo, que aunque no le impedirá comprender el grueso de la historia -insisto, la trama principal se sigue muy bien- sí que puede dejar con las ganas de dedicarle un segundo visionado para terminar de “coger” esos detalles que se hayan podido pasar por alto.

Se dice, se comenta, se rumorea que esto último es una estrategia muy estudiada para hacer más caja en taquilla. Sea intencionado o no, la película cuenta con una primera parte introductoria en la que se nos explica el planteamiento de lo que va a ser la misión de los protagonistas, el objetivo sobre el cual girará toda la historia: una especie de “sabotaje” sobre la mente del futuro heredero de un imperio empresarial, con el fin de implantarle una idea accediendo a su subconsciente a través de los sueños. Aquí en esta parte inicial ya reconocemos el primer sello inconfundible de Nolan: Origen comienza con un arranque en el cual se nos da una cantidad ingente de información, los diálogos se suceden con bastante rapidez y hay que estar pendiente desde el principio para poder captar el mayor número de detalles posible. Esto es, a la vez, virtud y defecto, porque aunque por un lado se consigue captar nuestra atención desde el inicio sumergiéndonos de lleno en la historia, por otra parte obliga al espectador a estar con los cinco sentidos abiertos para no perder detalle, para no pasar por alto ninguna conversación en la que se darán claves que permitirán entender ciertas escenas posteriores.

Una vez transcurrida esa parte introductoria y ya con los protagonistas metidos de lleno en su misión, el resto de la cinta va alternando partes de acción y espionaje, algunas con mayor fuerza e intensidad que otras, pero en cualquier caso todas con una factura técnica sobresaliente. Destacar el inteligente uso de los efectos especiales, perfectamente justificados en la trama sin que en ningún caso den la sensación de estar ahí “de relleno”. Al fin y al cabo, la mayor parte de la historia se desarrolla en escenarios oníricos, y eso da mucho juego para introducir los malabarismos visuales que se ven – y se disfrutan – en esta película. Una auténtica gozada. Esta es hasta la fecha, con diferencia, la cinta de Nolan que más hace gala de los efectos visuales generados por ordenador (CGI para los amigos), sin que no obstante llegue a abusar de este recurso. De igual modo y siguiendo con el aspecto visual, llama la atención la maestría en el uso de la cámara lenta y la excelente fotografía en general, luminosa y nítida, alternada con algunas escenas más grises que en ningún caso llegan a crear una ambientación totalmente oscura.

A nivel interpretativo, todos los actores cumplen y con creces, pero me ha llamado especialmente la atención Leonardo Di Caprio. En esta película, al igual que en los últimos trabajos que ha hecho (me viene a la mente ahora mismo Diamante de Sangre e Infiltrados, entre otras) nos regala una interpretación de carácter marcadamente maduro y contenida, creando un personaje creíble, muy complejo y sin caer en histrionismos fáciles pese a que alguna secuencia concreta se presta a ello. La verdad es que últimamente parece que este hombre deja el listón muy alto en todos los proyectos en los que se mete, está claro que ha superado el handicap que supone tener unos rasgos de eterno adolescente, huyendo del encasillamiento fácil. Todavía podría asumir papeles de “guaperas” envuelve-carpetas de adolescentes hormonalmente inquietas, pero se está atreviendo con personajes de mayor reto interpretativo. Se agradece, lo cierto es que ya apuntaba maneras desde sus inicios, pero es que según ha ido pasando el tiempo no ha hecho más que consagrarse asumiendo retos nada fáciles como actor, salvo alguna que otra excepción (¿alguien ha dicho Titanic por ahí?).

El resto del reparto tampoco le va a la zaga a Di Caprio, ninguno de los actores chirría a la hora de afrontar su papel y eso que todos ellos tienen un protagonismo más que considerable. La verdad es que salvo Michael Caine – que apenas aparece en un par de escenas – todos los personajes asumen bastante peso en la trama, perfilándose como secundarios con mucho protagonismo podría decirse. Sin embargo y por poner una pega, no habría estado de más darle algo más de “chicha” al personaje interpretado por Ellen Page, que me ha parecido el menos aprovechado teniendo en cuenta su papel en la misión: ni más ni menos que la arquitecta que diseña los mundos oníricos, ahí es nada. Esta chica ya ha demostrado más de una vez que sabe aportar carisma a un personaje (si alguien tiene dudas que vea Juno), y quizá se le podría haber sacado algo más de jugo en esta película.

Entrando en la banda sonora, pues con destacar que es Hans Zimmer quien lleva la batuta creo que ya está todo dicho. Quienes sigan las partituras de este hombre ya intuirán el nivel de calidad del que estamos hablando (Rain Man, El Rey León, Gladiator o El Código Da Vinci, entre muchas otras). En Origen se juega con instrumentos orquestales clásicos y con sintetizadores, integrándose a la perfección la música en la trama de modo fluido, sin excesos, pero subiendo la intensidad cuando las escenas lo requieren. De igual manera, toma un carácter más épico en algunas partes concretas, especialmente las que se desarrollan en el mundo onírico. Me ha gustado especialmente el uso de los instrumentos de viento en algunos fragmentos: ese sonido similar a un cuerno vikingo, que oímos como va in crescendo desde el mismo inicio de la película y que luego se repite varias veces a lo largo de a cinta, no consigo quitármelo de la cabeza.

Por concluir, y pese a que ya he dejado claro lo idolatrado que tengo a Christopher Nolan, siendo objetivo hay que reconocer que Origen no llega a la categoría de “Obra Maestra” (poquísimas cintas se merecen ese calificativo). Es una película como la copa de un pino, eso que quede claro, pero patina en algunos aspectos. Además de lo ya comentado sobre el atropellado inicio de la cinta, en alguna que otra parte de la trama – especialmente hacia el final – se concentran en exceso demasiadas escenas de acción a la vez. Muchos tiros, muchas persecuciones, muchas peleas, sucedidas todas ellas en distintos planos de la historia pero que son mostradas todas sin descanso y de golpe, quizá para darle a la cinta un ritmo más frenético y emocionante, pero que al menos para mi gusto en algún momento puntual me llegó a cargar un poco.

Sin embargo, en conjunto se puede decir que Origen es una película sobresaliente. Densa pero relativamente fácil de seguir, que sabe atraparte con una historia muy atractiva (de la cual por cierto he intentado dar pocos detalles por no destripar nada de la trama). Se le ha acusado en otros círculos de beber en exceso de otras cintas del género, especialmente de Matrix, algo que no comparto: Origen es menos compleja que la trilogía de ésta última. El único paralelismo que encontramos entre ambas es que en ellas los personajes se mueven entre dos mundos, uno real y otro ficticio. Salvo eso, se trata de dos historias completamente distintas y narradas de un modo diferente. Quizá sea cierto que Origen pueda estar inspirada en otras películas, pero al final el resultado obtenido es entretenimiento puro y duro y, al menos para mí, innovador en su conjunto. Nolan lo ha vuelto hacer, ha vuelto a parir otra genialidad, ha vuelto a demostrar que es un maestro en lo suyo. Gracias por regalarme estas dos horas y media de CINE con mayúsculas.

Puntos fuertes:

- El guión y el argumento en su conjunto.

- La claridad en el planteamiento y la narración de la trama, teniendo en cuenta lo enrevesado de la historia.

- Esa primera parte explicativa de la misión de los personajes, destacando la instrucción de la arquitecta exponiendo como funciona el mundo de los sueños, una maravilla a todos los niveles.

- Los efectos visuales, la recreación del mundo onírico, el apartado técnico en general.

- Banda sonora… es Hans Zimmer ¿para qué decir más?

- Que dura dos horas y media y sin embargo me supo a poco.

- Película ideal para comentar después con los amigos con unas cañas delante.

Flojea en:

- Ciertos diálogos importantes se suceden demasiado deprisa, hay que estar atento al 100% para no perder detalle.

- El personaje de Ellen Page… ¿no podrían haberlo exprimido más?

- Una parte final demasiado cargada de acción. Que hubiesen dado un poco más de tregua no habría estado mal.

PUNTUACIÓN: 9/10.